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In der Serie „Living with the Unpleasant“ begegnen wir der Künstlerin in immer gleicher Haltung: frontal, blass, still. Ihr Blick richtet sich direkt auf uns. Keine Geste der Abwehr, kein sichtbarer Schock, kein dramatischer Ausdruck. Der Körper bleibt ruhig, fast eingefroren. Doch auf seiner Oberfläche geschieht etwas.

Mäuse, Kakerlaken, Blutegel, Schlangen, Raben, Bienen, Skorpione, Ameisen, Schnecken und Aale treten in die Bilder ein. Sie kriechen über Haut, Schultern, Gesicht und Mund. Sie sitzen an Stellen, die Nähe, Verletzlichkeit und Kontrolle berühren. Die Tiere wirken nicht wie zufällige Requisiten. Sie erscheinen als Zeichen für Zustände, die sonst verborgen bleiben: Ekel, Angst, Erschöpfung, Überreizung, Scham, Widerstand, innere Unruhe oder stille Bedrohung.

Die Serie erzählt nicht vom Ausbruch dieser Empfindungen. Sie zeigt den Moment danach. Den Zustand, in dem das Unangenehme bereits da ist. Nicht laut, nicht spektakulär, sondern gegenwärtig. Die Frau flieht nicht. Sie kämpft nicht. Sie lebt mit dem, was sich auf ihr niedergelassen hat.

Das Verstörende entsteht nicht durch Gewalt, sondern durch Nähe. Die Tiere überschreiten Grenzen. Sie machen den Körper zum Ort einer stillen Koexistenz. Was fremd wirkt, wird Teil des Bildes. Was abstoßend erscheint, erhält Form, Gewicht und Präsenz.

Die kühle Farbigkeit, das fahle Licht und der rohe Hintergrund verstärken diesen Eindruck. Alles wirkt reduziert, fast klinisch. Die Serie erinnert an psychologische Porträts, an Körperstudien, an naturkundliche Präparate. Zwischen Schönheit und Irritation entsteht ein spannungsreicher Zwischenraum.

„Living with the Unpleasant“ fragt danach, was geschieht, wenn das Unangenehme nicht verdrängt wird. Wenn es sichtbar wird. Wenn es nicht mehr außerhalb des Körpers steht, sondern auf der Haut, im Blick, im Atemraum erscheint.

Die Tiere sind dabei weniger Gegner als Manifestationen. Sie verkörpern das, was an uns haftet, an uns zehrt, uns umkreist oder sich in uns festsetzt. Jedes Bild beschreibt eine andere Form dieser Begegnung: das Kriechende, das Saugende, das Stechende, das Giftige, das Schleimige, das Schwärmende, das lautlos Bedrohliche.

Die Künstlerin bleibt in all dem bemerkenswert unerschüttert. Sie wirkt nicht passiv, sondern gegenwärtig. Ihre Stille hat etwas Widerständiges. Sie nimmt den Blick der Betrachtenden auf und hält ihn aus. Dadurch kehrt sich die Irritation um: Nicht nur sie wird beobachtet. Auch wir werden mit unserem eigenen Ekel, unserer Abwehr und unserer Faszination konfrontiert.

So entsteht eine Bildreihe über innere Zustände, die sich nicht eindeutig benennen lassen. Über das Leben mit dem, was stört. Über Körpergrenzen, Kontrollverlust und fragile Selbstbehauptung. Über die Schönheit im Unbehaglichen.

Die Arbeiten bewegen sich im Spannungsfeld von Fotografie, digitaler Bildbearbeitung und generativer KI. Ausgangspunkt ist eine fotografisch gedachte Porträtästhetik, die mithilfe KI-basierter Bildgenerierung erweitert und durch künstlerische Auswahl, Nachbearbeitung und serielle Komposition präzisiert wurde.

In der Serie „Fragile Interfaces“ begegnet uns eine weibliche Figur in einem Zustand zwischen Körper, Maske und System. Sie steht nicht vor der Zukunft, sie scheint bereits Teil von ihr zu sein. Kabel, Panzerungen, keramisch wirkende Module, Schläuche und technische Apparaturen legen sich um Kopf, Hals und Oberkörper. Sie verdecken, stützen, verbinden und begrenzen. Der menschliche Körper erscheint nicht als abgeschlossene Form, sondern als offene Schnittstelle.

Die Bildsprache ist kühl, reduziert und präzise. Weiß dominiert den Raum, Dunkelblau setzt die Zeichen. Die Farbe wirkt wie ein Code: tief, technisch, fast organisch. Sie taucht in Augen, Leitungen, Rissen, Maskenelementen und inneren Strukturen auf. Dadurch entsteht eine stille Spannung zwischen Oberfläche und Tiefe. Was äußerlich glatt und kontrolliert erscheint, trägt Spuren von Bruch, Druck und innerer Aktivität.

Die Figur blickt oft ruhig, fast reglos. Doch diese Ruhe wirkt nicht leer. Sie verdichtet sich zu einem Zustand. Die Masken schützen nicht nur, sie nehmen auch Ausdruck. Die Kabel verbinden nicht nur, sie umschlingen. Die Apparaturen erweitern nicht nur, sie ersetzen. In dieser Ambivalenz liegt die Kraft der Serie: Technik erscheint weder als reine Bedrohung noch als Verheißung. Sie wird zur zweiten Haut, zur Architektur des Selbst.

„Fragile Interfaces“ fragt nach der Grenze zwischen Mensch und System. Wo endet der Körper, wenn Wahrnehmung, Sprache und Identität durch äußere Strukturen gefiltert werden? Was bleibt vom eigenen Ausdruck, wenn Schutz zur Hülle wird und Kontrolle zur Form? Die Arbeiten zeigen keine laute Dystopie. Sie erzählen von einem leisen, fast klinischen Unbehagen. Von einem Körper, der funktioniert. Von einem Gesicht, das etwas zurückhält. Von inneren Zuständen, die nur als Riss, Signal oder Schatten sichtbar werden.

Die Reihe bewegt sich zwischen surrealem Porträt, posthumaner Körperstudie und futuristischer Modefotografie. Ihre Ästhetik ist streng und zugleich verletzlich. Sie zeigt keinen Maschinenmenschen, sondern ein fragiles Wesen in künstlichen Strukturen. Ein Wesen, das nicht vollständig beschädigt, aber auch nicht unversehrt ist.

So entsteht eine visuelle Untersuchung über Anpassung, Identität und die feinen Risse in kontrollierten Systemen. „Fragile Interfaces“ macht sichtbar, wie verletzlich der Mensch dort wird, wo er sich schützt. Und wie viel Menschlichkeit gerade dort bleibt, wo der Körper bereits Teil einer fremden Ordnung geworden ist.